Da strahlen sie durch, die Held*innen der Jahrtausendwende, wie US Maple, Gastr De Sol, Cheer Accident, Yona Kit und wie sie alle geheißen haben. Verschrobener repetetiver Noise Rock, dicht, mit aufgelösten Songstruk-turen, wird auf diesem Instrumental-Album mit enormer Spielfreude ausgiebig und erfrischend gefeiert. Mit viel Raum für Komposition und Improvisation. Es gibt natürlich auch hier eine Cover-version (J.S. Bach), welche sich nahtlos in das Soundgeschehen einwebt. Das Album wirkt tatsächlich wie eine kleine Zeitreise zurück, und da kommen sie, die Erinnerungen, und das sind durchaus gute. Trojan Panda ist ein Quintet aus Frankreich rund um Jozef Dumoulin. Nur haben hier Bernado, Dupleix, Dumoulin, Pontvianne und Mayot ihre herkömmlichen Instrumente (Saxofon, Klavier und Bass) sozusagen über Bord geschmissen und sich in etwas komplett Neuem versucht. Mit drei Gitarren, Bass und Drums erschaffen sie in rund 50 Minuten eines dieser Meisterwerke, bei denen es nie aufhört, etwas Neues zu entdecken! (mr. ri)
Dans notre numéro de juin paraît la chronique d'un des projets de Jean-François Riffaud en groupe, Abacaxi (en compagnie de Vincent Desprez) sur le label Carton records. Le guitariste propose sur le même label son projet solo Rifo. Un disque de guitare que l'on peut croire à plat, et pourtant énormément de sonorités à travers moultes pédales d'effets semblent si verticales. De la résonance, de l'extension d'un blues étriqué, qu'il va bien falloir maltraiter évidemment. De la boucle rêche, des cordes pincées et tirées au plus près du manche, vibrées à ne plus en pouvoir, asséchées jusqu'à plus soif, répétées et décalées. Les graves sont multicolores et extatiques. Le souffle de l'ampli est là, comme sur un enregistrement cassette du plus bel effet. Ça gratte sévère, ça croustille à souhait, ça joue comme ça vient, ça respire comme ça peut, il ne reste plus beaucoup d'espace et pourtant le minimal est de mise. SuffisamMent singulier, le jeu se paie la reverb dans un combat homme/machine mais étonnement jamais noise. Et finit en blues proche de John Fahey. Classe.
Au Grigri, on aime les mélanges insolites, les assemblages hétéroclites, les petites folies composites, qui commencent par nous surprendre avant de devenir parfaitement logiques. C’est le cas de cet arrangement du poème « Sensation », classique parmi les classiques écrit par Arthur Rimbaud, qui vient réunir le guitariste et producteur britannique John Parish, le compositeur multi-instrumentiste Boris Boublil et le comédien Philippe Torreton. Un hommage somptueux, teinté d’une noirceur mélancolique et enfantine, qui se dévoile en exclusivité sur nos ondes en attendant la sortie de l’EP The Basement le 18 juin.
Il existe une flopée d’artistes qui se sont déjà attaqués à la réécriture des poèmes de Rimbaud. Mais face à un poète aussi musical, provocateur et insaisissable, il n’y a généralement pas 15.000 options : on réussit (Léo Ferré), on délire (John Zorn) ou on se vautre (Jean-Louis Aubert). Boris Boublil, lui, il fait sensation. Il prend le poème et il l’étire, il en extrait l’atmosphère et la déploie avec une simplicité désarmante. On dit souvent que les bonnes interprétations sont celles qui nous font oublier l’œuvre d’origine. Il y a quelque chose de cet ordre dans cette version de « Sensation » : Boublil semble redonner quelque chose qui manquait au poème, une texture ou une ambiance, qui nous fait relire le texte sous un nouveau jour, plus onirique, plus mystérieux, plus mélancolique peut-être.
Peut-être le confinement a-t-il fait sa part dans cette relecture de cet appel à aller batifoler dans les grands espaces. Après des mois à s’enraciner dans nos canapés, la perspective d’aller mouiller nos fesses dans la rosée, de retrouver cette « sensation » de la nature dont nous parle Rimbaud, nous semblait comme un lointain et sublime mirage. Ce confinement, il a aussi profondément changé la nature du projet d’origine. Conduit par le membre du Surnatural Orchestra, du Sacre du Tympan et de Blind Seats, le projet baptisé Mù devait être la réunion de 9 musiciens de classe internationale : Csaba Palotaï, Jesse Vernon, Morgane Carnet, Robin Fincker, Antoine Berjeaut, Sacha Toorop, Théo Girard et John Parish.
Boublil semble redonner quelque chose qui manquait au poème, une texture ou une ambiance, qui nous fait relire le texte sous un nouveau jour, plus onirique, plus mystérieux, plus mélancolique peut-être.
Finalement, l’album The Basement a été enregistré en solitaire par ce touche-à-tout poly-instrumentiste qu’est Boris Boublil. John Parish – producteur et musicien britannique, qui a joué notamment aux côtés de PJ Harvey ou Eels et avait déjà opéré avec Boublil sur une création autour des textes de Raymond Carver (Playing Carver) – est quant à lui venu ajouter sa guitare vaporeuse, et le comédien Philippe Torreton sa voix ténébreuse. Il en résulte un titre simple, sans grande prétention, mais qui contient tout ce qu’il doit être : une atmosphère légèrement garage-rock, doucement grinçante, subtilement vaporeuse, en résonnance avec l’ADN de ce bel EP.
The Basement sortira le 18 juin chez Carton Records et on nous dit dans l’oreillette que les retrouvailles tant attendues de Mù au grand complet auront lieu le 26 mars 2022 à la Carène de Brest.
At the end of 2016 Jozef Dumoulin brought together five musicians from the Paris scene consisting in Sophie Bernado on guitar, Léo Duppleix, guitar, Jozef Dumoulin, guitar, Julien Pontvianne on bass and Hugues Mayot on drums, with the idea of combining music post-seventies alternative guitar rock, experimental rock, improvised music and jazz.
In the summer of 2017, they held their first performances, including one of them at the prestigious Jazz Festival Middelheim in Antwerp, Belgium. Then they tended to make improvised pieces and in 2019 they recorded some of them, in addition to recorded live compositions in the Jazz Middelheim and a series of improvised tracks that shaped "Peau".
"Sylvie Coiffure" unveil guitar riffs that remind us of Joy Division which are out of tune, and conjure-up snippets of Echoe and the Bunnymen, among others. "Karolientje in Haar Blootje" in a more experimental vein has jazz shades. "Joie de Vivre" offers a few repetitive chords and guitar experimentation, as if they were pulling them.
"Animal" closes this album with a peaceful track containing random drums and melancholic chords from several guitars.
Trojan Panda performs a rich combination of post-punk and experimentation.
Guillermo Escudero
May 2021
«Champignon flamme», trip en trompette
Jacques Denis
Dans un album tout en modulations, le trompettiste Gilles Poizat entremêle souffle physique et synthé modulaire dans une recherche singulière d'interactions des sons.
Voilà un court disque, même pas vingt-cinq minutes en six titres qui, tout en synthétisant un long parcours dans le monde de la musique, en ouvrent délicatement de larges horizons. Gilles Poizat, la cinquantaine déjà passée, balade sa trompette depuis déjà plus de trente ans au gré de rencontres et de désirs, entre Lyon, sa cité natale, et Chicago, phare de tout expérimentateur, et entre Arles, où on le découvrit voici un quart de siècle, et Conakry, où il fut au début de l'aventure du prodigieux koriste Ba Cissoko. Et puis il y eut Mazalda, une aventure collective au début des années 2000 qui aura pour conséquence de le faire devenir musicien à plein régime. Le trompettiste abandonne alors son job à mi-temps de chercheur en écologie en Camargue pour s'adonner à l'exploration des sons. Il en résultera une écologie sonore qui trouve sa parfaite résolution dans ce Champignon Flamme, qui rappelle que l'économie de moyens est source aussi, souvent, d'innovations.
Laborantin. Rien de flamboyant ici, tout se joue en modulations de fréquences et heureux parasitages. Façonné au dé- part pour être le support d'une chorégraphie, cet objet aux formes aléatoires amplifie certains mouvements entraperçus dans son précédent album, Horse in the House, ces interludes sans un mot, juste mus par l'élan des vibrations. «Benjamin Coyle m'a proposé de faire la musique de la Séance, une pièce qui allait explorer les relations avec l'invisible, la mémoire, les morts. Il m'avait fait cette proposition après m'avoir vu chanter et il voulait qu'il y ait des chansons. Mais il m'a laissé proposer des ambiances électroniques, pour finalement recentrer sur des chansons jouées en direct avec une guitare.» Ce sont donc certaines de ses improvisations, non gardées, qu'il nous livre ici, dans un minimalisme empreint de tant de traces qu'il en occupe doucement tout l'espace. Le processus de création ayant duré plus de deux ans, Gilles Poizat aura tenté des pistes, creusé des sonorités, un travail de laborantin dont témoigne ce singulier solo. Le souffle de la trompette s'y mêle aux sons générés par un dispositif in- teractif du synthé modulaire qui se déploie au hasard, imprimant dans l'ADN du projet une forme de surprise immanente, et tout autant une suspension du temps. «Le travail avec le synthétiseur modulaire a aiguisé mon rapport au son.
Quand on joue d'un instrument qui demande un engagement physique, le son produit n'est pas le seul critère qui nous guide, il y a aussi les sensations corporelles, l'énergie qu'on y met.» Nomade. La musique y résonne comme en écho au livre Au bonheur des morts de Vinciane Despret : «La philosophe y parle de ce qui enchante le monde. Accueillir ce qui nous est inconnu, donner de l'attention, de l'amour et du soin à ce qui nous entoure et nous constitue génère de la vie joyeuse.» Mille détails habitent cette bande-son, d'étranges climats qui ne sont pas sans rappeler les délicats entrelacs d'un Jon Hassell, ou les méditatives escapades d'un Don Cherry lorsqu'il enfourchait sa trompette nomade. Il y a là pareil sens de la phrase, libérée de toute emphase, un étirement du son qui remet en perspectives l'idée de temps, un défilement sphérique dont les fragiles escarpements constituent d'aussi fragiles que sûrs défis aux lois de la verticalité harmonique. Gilles Poizat cite aussi le duo Kaumwald, qui improvise au synthé modulaire, et le sorcier Miles Davis quand il s'élança sur les pentes électriques.
L’idée même d’écouter un album entier autour de la trompette, me laissait dans le même enthousiasme que développerait un téléspectateur de C8 à qui on offrirait l’intégrale des films d’Eric Rohmer. Ce n’est pas que je déteste l’instrument, mais j’ai souvent du mal à me passionner pour les disques autour d’un instrument. Avec Louis Laurain, la notion d’autour prend là un sens nouveau. Si l’idée de souffler dans celui-ci est toujours là (c’est d’ailleurs l’utilité même de l’instrument, souffler dedans pour produire un son), pour cet album, Louis Laurain a préféré l’expérimentation avec un dispositif électro-acoustique développé depuis 2016. La trompette pourra être un instrument de percussion ou pourra être comme disséquée (Rhypnotic) laissant le rôle principal au mécanisme. Le vent semblera presque absent de ces cinq morceaux, ou sous forme d’un souffle numérique, passant de la vibration de l’air à celle moins direct via les méandres d’une moulinette l’électronique. Si le concept est intéressant, il pourra trouver ses limites entre autres sur « Satellites For Nawel » qui ne fera pas comme « Pulse, Pipes, Patterns » chanter les oiseaux, mais plutôt aboyer mon chien, pas vraiment ouvert (comme moi d’ailleurs) à la stridence presque insoutenable, fruit d’un dispositif comprenant deux trompettes, un micro et..... une feuille de cuivre. « Pulses, Pipes, Patterns » est une expérience sonore, nous faisant découvrir un instrument autrement. Alors si la trompette vous est familière, offrez-vous un regard neuf sur celle-ci avec cette étude particulière de l’objet.
9/10
A veteran in the area of electronic music, Julien Boudart brings his skills in Serge Modular synthesizer, field recordings and nonlinear speakers to this highly creative listen that balances bareness with busy textures.
After the 30 second opener, “Ankrousis”, leads the listen with lone bell, “Gorgo” follows with ominous, innovative electronic sounds that resembles snakes slithering in another dimension, effectively intriguing us.
Things only get more unusual from here, including the dark rumbling of “Lambikon”, where sci-fi buzzing roams alongside aberrant, space like moments, while “Perseus (Spondelon)” unfolds with bell manipulation that’s hypnotic, unorthodox and entirely alluring.
Landing close the end is “Golden Rain”, where a cinematic quality is met with percussive like sounds that resemble water, but not in the conventional sense, and “Song Of Libation” exits the listen repetitive, soft and mesmerizing in its artistic delivery.
An absolutely absorbing effort that excels at both synthetic and organic ideas, Boudart’s profound use of the Serge Modular takes us on an unpredictable journey that makes this first solo album a truly genre defying experience.
Cela commence comme si le bruit des pâles d’un hélicoptère illustrait un long plan séquence (Leaf) d’un de ces moyens de déplacement qui casserait une ligne d’horizon parfaite, faisant onduler sous l’effet de la chaleur l’image, donnant à nos yeux l’illusion que le sens se perd. Mais ce n’est pas la vue qui est chahutée par Jean-François Riffaud aka RIFO, c’est l’ouïe. Alors que ce sont les yeux qui imaginent normalement le contact d’une sculpture inviolable avec nos mains, que ce sont eux qui tentent de percer le secret des différentes couches de peinture d’un tableau, avec « Betel » les oreilles sont connectées à cette partie de notre cerveau qui imagine les structures dans une représentation en multi dimension. Car si le disque a trouvé sa genèse lors d’une rencontre d’un rite traditionnel des bouddhistes Birmans, il est surtout une traduction sonore d’un façonnage progressive. Face à une masse, RIFO ne donne pas de coup, ne martèle pas pour enlever des éclats et faire naître une œuvre. RIFO travaille l’espace et tourne autour, l’habillant avec une routine qui se trouverait contrariée progressivement, donnant à l’ensemble une dimension tout autant esthétique que cognitive, son propre équilibre étant en danger face à la sorte d’ivresse dans laquelle cette boucle douce nous plonge. Dans ses mains, la guitare électrique est à la fois l’ébauchoir et la tournette, faisant vibrer l’air avec la volonté la façonner. Il en fera de même avec du field recording, jouant avec un son (en l’occurrence des grognements carnassiers de chiens sur « teeth ») l’amenant d’un côté dense et monolithe en quelque chose d’évanescent, le son comme s’évaporant. Le disque de trente minutes se clôt sur « Smile », une résurgence du passé, comme une bande son apocryphe d’un film des années 30, clôture énigmatique presque divinatoire d’un disque qui en jouant avec nos sens nous élève au-dessus des lignes d’horizon et des croyances.
Με τον δίσκο «Peau» το Γαλλικό κουϊντέτο των Trojan Panda προτείνει ένα άκρως ενδιαφέρον ηχητικό δείγμα εμφορούμενο από ισόποσες δόσεις πειραματικού ροκ, free jazz και περίτεχνων αυτοσχεδιασμών. Με ηγέτη τον Jozef Dumoulin στην ηλεκτρική κιθάρα, τον Julien Pontvianne στο μπάσο και τους υπόλοιπους στα κρουστά, την κιθάρα και την φωνή, οι TP παίζουν μεγάλες, χρονικά, συνθέσεις που δεν είναι εύκολο να κατηγοριοποιηθούν. Υπάρχουν χαλαροί ρυθμοί και αργόσυρτες εξελίξεις που θυμίζουν Sonic Youth και Glenn Branca αλλά το επιπρόσθετο ενδιαφέρον είναι πως αυτοί οι πέντε μουσικοί παίζουν εντελώς διαφορετικά όργανα σε άλλα σχήματα !
Open the gates, let the giant panda into town!
At the end of 2016 the Belgian master of the Fender Rhodes, Jozef Dumoulin, realized an old fantasy, combining the sound and the dynamics of post-seventies alternative guitar rock with the energy and the poetic power of music played by musicians playing other instruments than the one they are trained for. Sun Ra – in his seminal «Strange Strings» with his Astro Infinity Arkestra (Saturn, 1067), already did the latter part when he asked his musicians to play stringed instruments collected from pawnshops. Sun Ra called this kind of idea «a study in ignorance».
Dumoulin called friends-improvisers from the Paris alternative scene – singer-bassoonist Sophie Bernado, pianist-electronics player Léo Dupleix, sax player Julien Pontvianne and reeds player Hugues Mayot. Dumoulin asked Bernado and Dupleix to play electric guitars alongside himself. Pontvianne was asked to play the bass guitar and Mayot the drums. As already happened with Sun Ra Astro Infinity Arkestra, it was clear right from the very first get-together that these musicians can play on anything. Just give them instruments. The new band was baptized as Trojan Panda. The band performed at the prestigious Jazz Middelheim festival in Antwerp, Belgium, and later on, the music gradually adopted a more improvisational approach. «Peau» is the debut album of Trojan Panda was recorded in August 2019.
«Peau» tells the story of Trojan Panda, beginning with its experimental improvisations («Black Madonna»), adapting Johann Sebastian Bach’s «Christus Der Uns Selig Macht» or Dumoulin’s beautiful ballad «Animal», and settling on a free-improvised interplay («Sylvie Coiffure», «Joie De Vivre»). The sound of Trojan Panda is straightforward and based on repetitive, rhythmic motives, most of the time sounding sparse and less powerful as the sound of the influential guitar bands, from Television to Sonic Youth, but still playful and equipped with healthy doses of irony. The simple grind of Trojan Panda is obviously not as elaborate, inventive, or even thorny as the sonic palette of influential free-improvisers-guitarists like Fred Frith, Marc Ducret, or Thurston Moore. But it seems that Trojan Panda was conceived in order to make some exciting fun and express the love of music in a «peculiar way», as Dumoulin calls it, and «Peau» clearly delivers such fun.
Over the last year I have been trying to extend my musical boundaries. I have had the time and opportunity to listen to more classical and experimental music, mostly thanks to Radio 3’s diverse programming. Julien Boudart’s latest release appealed to my new found interests. I am also increasingly aware of artists and musicians, past and present, who use myths of Ancient Greece as inspiration. These stories continue to resonate in our everyday lives as we recognise the global issues we have to deal with. Boudart is a French composer and musician who has been performing and composing on electronic instruments since the 1990s. His academic background is in mathematics and social science. He has developed a theoretical and philosophical aspect to his work and his approach to music and sound. This approach reflects both contemporary politics and the religious and magical aspects of musical performance. His work to date has involved collaborations with artists and musicians who are equally committed to pushing boundaries and taking inspiration from ancient myths and music. Listening to ‘Nome Polycephale’, his first solo album, it is no surprise that he has composed works for theatre, radio and multimedia performances. This piece is based on a report of an ancient lost tune, played on an aulos (a kind of Greek double flute), and mentioned by Pindar in his poems. Boudart has composed these pieces on a Serge modular synthesiser, using non linear speakers (similar to the Leslie speaker) and including field recordings. This is a sonic experience, and in keeping with the inspiration, the murder of a gorgon, (like Medusa), it is both disturbing and fascinating. It is visceral at times. Some pieces are more accessible than others, but accessibility isn’t really the point. It is a collection of compositions that should be the accompaniment to a ritual or ceremony. This is an intriguing reminder of the power of sound to shift and transform the world around it.