Omertà | Interview | New Album, ‘Collection Particulière’

The French sextet is coming back with a second LP entitled ‘Collection Particulière’, with Florence Giroud on vocals, Jérémie Sauvage & Romain Hervault on bass, Pierre Bujeau on the guitar, Romain De Ferron playing synths, joined by Jonathan Grandcollot on drums, recorded by Manu Laffeach at Chaudelande studio in Normandy in 2019 and mixed by Ernest Bergez.

The record is co-released between Zamzamrec and Standard In-Fi, Florence Giroud and Zamzamrec. Newcomers, Héloïse & Olmo talk with Florence and Pierre.

Omertà

“Omertà is a dream world, with moods and feelings swinging, coming and going, like a refrain or ritornella”

When and how did Omertà start?

Florence Giroud: The story begins in the Great lakes area with early rehearsals in 2013, bringing together five musicians to write a full-length album to stand in for the third act of an opera I was working on at the time. The word opera, melding together equal parts sculpture, installation art, performance as well as concerts, delves into a kind of ritual endeavour, meant to be a free-form experience influenced by cut-up and fragmentary composition. From the onset it all comes from a floating world, the unreal, its scraps, visions. Then comes the transformation into written word, images, music, voices, artefacts, becoming lost, becoming tales, in search of a specific language. My sculptures feed on stories and prompt their own sequences, they bring about music, while having no set future, in their essence remaining shape-shifting. Through its instinctive nature, music can focus attention on a certain framework.

I met Romain Hervault in 2005 at the Lyon school of fine arts, then Jérémie Sauvage and Mathieu Tilly in 2007 at the Valence school of fine arts while participating in a workshop with Rhys Chatham. Soon after that, Jérémie asked me to join one of his Accordages among other musicians. On graduation night we had a big party in an old disused railroad tunnel with a bunch of wild bands playing live, there were about fifty of us and it was insanely intense. It’s safe to say I felt that was the start of a family at that point, we often got together for parties and gigs in the Rhônes-Alps area, where I eventually met Pierre Bujeau, Romain de Ferron and Jonathan Grandcollot. I felt naturally drawn to them, we listened to the same things, they felt like kindred spirits whom I could trust to make music with. There is a deep bond between us, not only music and art, we lead similar lives, share essential ideas. Omertà has always been more than a band for me, it’s a love story throughout our best years.

Why is female nudity at the core of your graphic aesthetics? Can you tell us about the artwork for Collection Particulière?

Florence Giroud: Omertà is a dream world, with moods and feelings swinging, coming and going, like a refrain or ritornella.

Excerpt from the text accompanying the first Omertà show:

Following their teenage shipwreck, the survivors of the MSS collide with a beautiful island full of mirages. Having smoked their weight in opium, the crew has nothing left in common with the human species. Among vanishings, time-consuming legends and shape-shifting animals, all against all await the green ray to reach the world’s end, only the world’s end is sun-bleached. You are the ones living Omertà, I am Omertà. Being violated in unusual positions Power is often quiet, very quiet.

At the time we were working on the first record, Jérémie had introduced us to the Sophie Marceau album ‘Certitude’ (one of our culture’s true hidden gems), suggesting we should use a portrait of me for the album cover. From my standpoint that was not an option so I mentioned the existence of photographs I had done, posing for an artist when I was just twenty years old. We had done a series of nudes, shooting in black and white on Hasselblad cameras where I was holding the ace of spades and the ace of hearts, Eros and Thanatos, the picture was framed around my chest, away from my face, square format, basically already an album cover.

I never got these photos like I was meant to, and thinking about it made me want to see them again, get back to them, making me feel like something precious had been taken away from me and that the artist hadn’t been true to his word. We were no longer in touch but I managed to reach him through social networks, with the aim to retrieve the picture and turn it into an album cover. He replied that a fire had destroyed his workshop, he had lost the physical photos and the hard drive containing the digital copies had been damaged. Nevertheless, he promised to send the pictures as soon as he managed to retrieve the data. Some time passed and when I got in touch again I learned of his sudden passing.

The picture was lost and I started thinking about the current artwork, which is a superimposition of a picture of blue agave with artificial lighting (an assemblage from my installation Omertà gave blue where the first Omertà concert took place) and this black and white picture of a nude female chest afflicted with a skin disease, taken by a skin writing artist at the end of the 19th century, an image that had been haunting me for a long time.

I guess the idea of the nude had carried on from my initial research.

Then, about two years ago, I saw on social networks a painting stemming from this photo series, the artist’s daughter had restarted her father’s work, mainly with the aim to settle his accounts and freeze his works. We had just recorded the second album and that revived the hope of doing the album cover from one of these paintings. It was a blown-out version of the photo, marouflage on canvas upon which layers of coloured wax let the image show through through subtle hues shifting with the light. I contacted her explaining the situation to her, she sent me a photo taken from her phone of the only painting in her possession, the others having already been sold, this one being from that point on part of a “collection particulière” (private collection). The wax, damaged by the fire, had melted and blistered, the photo underneath thus re-emerging… that is what appears on the album cover. After laborious communication, we couldn’t acquire a better quality picture.

It took a lot of work and patience to give it its current appearance… thanks to Corentin Perrichot, Samuel Antonin and Lionel Catelan!

How do you write the songs, where and whom do the ideas originate from?

Pierre Bujeau: When music meets lyrics, one can wonder which spawned the other. In Omertà, some of the texts written beforehand shaped the project’s musical environment, then quickly melodies were suggested, without direct relation to the words. Links appear between the two bodies, bringing about seemingly obvious connections. Musically, most tracks were built around basslines, themes that expand as all the band members bring forth their arrangements. There’s a bunch of us and in order to achieve a certain clarity, melodies and rhythms split between the various instruments, a bassline will fade out and make space for someone’s note, synths will complete the guitar line et cetera. In order to remember these fragile constructions, we write them down on music sheets, although ours look more like lifelines specifying each intervention, notated with signs, colours and patterns, sometimes incomprehensible the very next day… Each piece is a rather complicated mental construct.

Florence Giroud: Omertà’s words stem from an intimate collaboration between Raphaël Defour and myself.

Raphaël was the first person I shared my life with, we have shared a lot of ideas on music and writing, poetry in particular. He was a stage actor at the time, stage director, singer too, and wrote all the time inside little notebooks, songs, thoughts, love letters to me. He left his notes out in plain sight and I took subtle pleasure looking for them, reading them, linking them together in order to finally understand a loved one. The mystery remained however, and the ghost of this first love and first heartbreak still lights up my life. A planned edition of his texts and my visuals remains unfinished; though unable to let them go, they became the focus of a first performance in 2010, ‘Arcanum (with love)’ consisting of installations, music and voice, which lead my subsequent endeavours. This appropriation allowed me to accept the pain of separation and yearning, love was not death and kept on existing elsewhere in different ways. Without ever losing touch, we began to communicate through the filter of indirect correspondence, making up stories, allowing us to keep loving each other, exchanging freely and lightly through the most important thing for us, poetry.

Within that vibe, Raphaël Defour wrote the bulk of the lyrics on the first album, around stories of myths and disappearances that we told each other on the island I introduced him to; Corsica. In that specific place, Omertà acts like a form of therapy, unconsciously illustrated by the artwork on the two albums, both the body and the agave bear scars healed by sunlight, despite the passing of time the body is still naked yet protected, the Ace of hearts and the Ace of Spades, the strongest cards in the game.

What kind of ties do you have with pop music and French chanson?

Pierre Bujeau: Most of us have never played that type of music, we mostly come from instrumental music genres. Only Romain de Ferron actually has had experience with pop music, although all of us listen to it a great deal, whether French or international. It was therefore an interesting idea to have a go at this endeavour. Our external viewpoint as musicians lead us toward a music without specific reference, as if we were discovering a new one in which dissonance, chance and amazement, all of which are familiar to us, can as well get along unceremoniously with harmony, obviousness and composition.

In pop music, the language of choice for singing is often English as it is hard to accept other languages in such a standardized genre. Poetry resonates more readily in one’s own language, although one must discard standards.

Florence Giroud: I grew up around both and always listened to, or was exposed to both, a deep emotional bond in my case, as it might be for my generation. There is also something that has always fascinated me about the format, the way songs are built, the way they can make their mark on you within three minutes, put us into previously unimaginable states, such immense power…

The lyrics of Omertà are deeply intimate and often bring forth stories, feelings, experienced emotions, it wouldn’t make any sense to perform them in any other than my mother tongue.

I am neither a singer nor an actress, I am interested in building bridges, letting myself be caught by the music and adding words through my voice the same as a guitar chord, welcoming whatever comes. It’s a simple but very difficult idea, one must be able to accept vulnerability, exposure, awkwardness. The relation to nudity, the voice, and vulnerability touch me a great deal, they are what make us rare and complex as individuals, and through them we get as close as we can to a truth we know to be inaccessible but for a single reflection.

Compared to the previous record that came out in 2014, what has changed?

Florence Giroud: When we resumed working together in 2018, we brought back some old instrumentals with different words by Raphaël, rather unclassifiable stuff. In the meantime, an artist friend, Julia Kremer, had been writing poetry for another project and one of them was interpreted on the song Kremer & Bergeret.

Raphaël heard that we had reformed and sent me three songs he had written back when we lived together and a new one specifically for the record (‘Au Commencement’). ‘Collection Particulière’ is a kind of collage of these different vistas that do not make an organic whole but rather poetic fragments.

The first record was a stand-alone artefact, a world in itself upon which we no longer had control, we just let its follow-up come to us without knowing where it would lead to; a certain desire for “variety” was in the air, I think that we were simply in search of something, taking pleasure in experiencing chance, the unexpected and the unforeseen. The use of fragments allows this disruption of expectations.

Pierre Bujeau: On ‘Collection Particulière’, we accepted and therefore focused on the fact that we were intentionally playing pop music. The recording techniques and the sounds we were after made it possible to reach a certain precision, but the real change came with how we treated the vocals: finally taking lead, powerful, building upon the strength of its instrumental backing.

Jonathan joined us in 2018. His drumming style is fundamentally different from Mathieu’s, who works on variations over long sequences and rejects constraints, whereas Jonathan works in a metronomic style, the blacksmith and the watchmaker.

On the first album, Mathieu played his own home-made percussion whereas the second album sees Jonathan applying himself to a streamlined drumming style. The first album is thus a lot more organic than the second which is more structured.

Omertà | Photo by V. Mare, Paris April 2017

Plans and dreams for the future?

Florence Giroud: Strange but I have stopped believing in the word “Future”, which now seems totally devoid of meaning and life, as if it had been flouted, violated and trampled in the mud. I feel like we have been cheated on this one. The future, just like the past and the present, doesn’t really exist, what matters is to do what we have to do with whomever we like as long as we’re around. There’s six of us and it’s not simple to get together and feel the same desire, which is something we have never plotted, allowing us to keep ourselves and avoid losing a certain truth, if not a certain purity.

Boris Boublil et le collectif Mù viennent de sortir 93 Manifesto, un album qui fait le grand pont entre rock et jazz pour un résultat très concluant. On fait plus ample connaissance avec le pianiste à travers une sélection d’albums de son choix.

Boris Boublil

© Vaidehi Nota

5 disques du moment :

Kim Gordon : no home record

Découvert pendant le confinement, no home alors qu’on était pourtant bien enfermé à la maison, ce disque m’a happé de part sa créativité, sa musicalité, Kim Kordon du haut de ses 66 ans à l’époque et toujours la rage au ventre, c’est brut, très rock. C’est beau !

Jonny Greenwood : The power of the dog

Musique originale pour le film de Jane Campion, magnifique film, aux premières notes de violoncelle joué comme un banjo de ce superbe film, on reconnaît la pâte de cet excellent musicien compositeur. Pas trop heureux de voir que c’est une exclusivité Netflix, néanmoins, j’adore le cinéma de Jane Campion, la photo est splendide et la musique de western qui n’est pas une énième copie du maître Morricone, souligne la gravité du propos, j’adore. Et la musique s’écoute absolument aussi toute seule, je trouve ce Jonny Greenwood complètement inspirant.

Talk Talk : Laughing stock

De passage à Marseille il n’y a pas très longtemps, jouant à l’Espace Julien avec la merveilleuse Nadine Khoury, je suis passé chez le disquaire qui se trouve juste en face (c’est devenu une drogue, car chaque ville où les tournées me portent, je me retrouve très souvent entre les balances et le concert chez les disquaires ) je rentre donc dans la boutique, et me retrouve en 10 secondes nez à nez avec le disque de Mark Hollis « Mark Hollis » en vinyle et j’étais fou, j’adore ce disque, et il manquait à ma collection de vinyles. En rentrant à la maison je l’ai écouté, toujours aussi beau, puis voulant rester dans le mood, j’ai écouté ensuite « the Laughing Stock » de Talk Talk, que j’ai finalement trouvé beaucoup plus puissant, la musique Mark Hollis, me porte énormément, me transcende, me berce, ce disque est presque un disque de toujours, mais c’est aussi un disque du moment, je le met là car je ne saurais choisir un disque de Talk Talk pour toujours, tellement ils sont tous beau.

Lonny : Ex Voto

C’est pendant le tournée d’Emily Loizeau pour le disque Icare, que j’ai rencontré Lonny, j’aime beaucoup aller écouter aux portes et découvrir les musiciens avec lesquels nous partageons la scène. Et je dois dire que Lonny est extraordinaire, sa voix, ses mélodies, ses textes, tout m’a bouleversé, ça faisait longtemps que je n’avais pas entendue une chanson folk en français si aboutie. Nous nous sommes donc échangés nos disques, et le siens tourne régulièrement sur ma platine.

Timber Timbre : creep on creepin’ on

Ca faisait très longtemps qu’on me parlait de Timber Timbre que je m’étais mis pour je ne sais quelle raison à bouder sans même connaître, peut être car ce fut pendant un instant, un phénomène de mode dont tous le monde parlait, et que souvent par orgueil mal placé, je décide ne pas être pressé de découvrir. Finalement, je découvre ce groupe à un dîner chez John Parish à l’issue du mix de Playing Carver, le disque joue dans la cuisine et ça passe au dessus des conversations, Je lui demande ce que c’est : Timber Timbre. C’est très beau, gothique et rock, le slap back permanent, les réverbérations à ressorts, un son qui me touche particulièrement. Depuis je pensais avoir tout leurs disques mais c’est à Toulouse ( chez le disquaire ) que je me rends compte qu’il me manque « Creep on creepin’ on » qui vient d’être rééditer.

5 disques pour toujours :

Davis Bowie : Ziggy Stardust

J’ai 13 ans en 1993, ma sœur en a 17, elle écoute ce disque, je l’entends, je suis complètement affolé, je lui pique le disque et l’écoute en boucle. J’avais déjà découvert David Bowie, sur MTV qui passait Ashes to Ashes (qui est pour moi la chanson la plus belle du monde) mais là Ziggy Stardust, le glam rock à l’état pur, le personnage, le piano, la guitare, c’est dense, c’est rock, c’est poétique. Ce disque ne me quittera jamais

Bach : les variations Goldberg Glenn Gould version 1981

Mes années passées au conservatoire de Fontenay-sous-Bois, j’y apprends le piano, la musique classique, les grands compositeurs, certains me laissent de marbre et d’autres touchent le plus profond de moi-même. Mes parents écoutent énormément Bach et les Beatles ; dans mon fantasme d’enfant, j’aimerais devenir soit Glenn Gould soit John Lennon, j’aime ces deux personnages, leurs folies me touche, me parle, je les vois comme des allié de vie, ils m’accompagnent sur les chemins du collège, dans les moments difficiles de la vie. Mais je dois dire que les « Variations Goldberg » qui parait-il ont été composé pour ce monsieur Goldberg qui avait des insomnies, sont pour moi une œuvre magistrale, surtout cette version jouée par Glen Gould en 1981, une version lente, tellement inspirée, où on l’entend chanter. Petit, je pensais qu’il s’agissait du fantôme de Bach qu’on entendait dans ces murmures. J’ai souvent essayé de l’écouter pour m’endormir victime moi-même parfois d’insomnie, mais je dois dire qu’elles ne m’ont jamais endormi.

Carla Bley : Musiques Mécaniques

C’est Remi Sciuto qui en m’engageant pour jouer dans son Trio Wildmimi Antigroove Syndicate, m’offrit cet album (entre autres). J’étais déjà très attiré par le jazz pour grands ensembles, que ce soit les big band de Duke Ellington ou toute la discographie de Charles Mingus, Et là, Je découvre un jazz plus pop, terriblement libre, mais se tenant à une écriture plus « chansons ». Aux premières notes du disque, je me souviens m’être dit, je crois que ce disque va t’accompagner longtemps ; il y a de ces disques magiques qui, en les écoutant pour la première fois, s’agrippent et vibrent dans nos corps, un peu comme quand on tombe amoureux. Celui-ci en fait partie.

Goldfrapp : Felt Mountain

Parmi les disques que Remi, m’avait offert ce jour-là, se trouvait « Felt Mountain ». Je me souviens, il m’avait dit, tu vas voir dans ce disque il y a du mélodica, or à cette époque j’essayais d’introduire le mélodica dans Surnatural Orchestra, dans lequel je faisais mes débuts. Nous jouions à l’époque souvent dans la rue et me trouvait régulièrement à court d’électricité. Ce fut un moment dans ma vie musicale, pas très heureux pour moi ni pour les autres d’ailleurs et Rémi et moi en rigolions beaucoup. Mis à part cette anecdote, j’ai vite identifié ce disque comme un hommage à la musique de Morricone (pour qui je voue un amour infini), bouleversé par la voix d’Alison Goldfrapp, mais aussi complétement subjugué par les arrangements de Will Gregory, c’est une musique éternelle qui, je pense, ne vieillira jamais. C’est plus tard que j’appris que John Parish avait joué quelques batteries et guitare sur ce disque.

PJ Harvey : White Chalk

J’ai véritablement découvert PJ Harvey en rencontrant la femme de ma vie, elle en était fan, nous l’écoutions beaucoup, puis un jour, en rentrant chez Philippe le libraire (une super librairie du 10ᵉ Arrondissement de Paris, mon ancien quartier) il me dit, tiens regarde (car il avait aussi quelques disques), voici le dernier disque de PJ Harvey, il me tend aussi le deuxième disque de This is the Kit « krulle bol », ces deux disques on un point commun, ils sont produits par John Parish. J’achète évidemment les deux et les offre à ma copine pour son anniversaire. White Chalk, est pour moi comme le disque que j’aurais toujours rêver d’entendre, c’est un disque de transition et d’introspection, la voix de Polly y est transformée, les mélodies sont sublimes et les arrangements exceptionels, j’aime sa façon de jouer du piano, elle a parait-il appris à jouer du piano pour faire ce disque, son piano n’est pas virtuose, il est juste complètement ressenti et habité. Un disque que j’ai eu beau écouter des milliers de fois, j’y entends toujours de nouvelles choses.

Oscar Fritsch est la nouvelle tête lyonnaise de l'art rock. il est passé au studio pour nous raconter son travail, et son nouveau projet, A Moment of Absolute Acceptance. Rencontre.

Vous entendez des voix ? C’est rien, c’est juste le nouveau Might Brank

ou quelques questions à Emmanuel Scarpa

Mieux vaut être seul que mal accompagné dit-on. Le projet solo du batteur Emmanuel Scarpa en a décidé autrement : mieux vaut être seul et bien accompagné, grâce aux musiques polyphoniques. En effet pour ce deuxième album sous le nom de Might Brank, Emmanuel Scarpa s'empare d'une multitude de voix pour remonter jusqu'aux origines des ces compositions médiévales. Un retour aux sources détonant dans notre paysage musical, qui nous permettera surement deux choses : profiter d'un disque de qualité, tout en se couchant moins bête ce soir. A cette occasion, nous avons échangé quelques mots avec le personnage principal de cet album pour en savoir un peu plus sur la génèse de ce projet canon (jeu de mot que vous comprendrez uniquement en lisant l'interview)

Hello Emmanuel. On te connaît sous plusieurs projets, peux tu nous dire la place qu’occupe aujourd’hui ce solo parmi tes différents groupes ?

Aujourd’hui une place centrale, mais alors je n’aurais pas prédit une chose pareille il y a encore quatre ans. Jusqu’à la naissance de ce solo j’envisageais la composition de manière totalement isolée de ma pratique de la batterie. Depuis que je nourris ce solo, un certain nombre d’idées partent de mon instrument, chose que je ne faisais pas avant alors que ce procédé me paraît assez naturel et surtout très répandu. Je pense que je fais une musique moins mentale à présent… ce qui ne veut pas dire moins complexe mais plus ressentie, plus habitée en quelque sorte.

On retrouve dans Might Brank une de tes marques de fabrique, une certaine obsession créative pour les musiques médiévales et polyphoniques. Qu’est ce qui ce qui te pousse vers ces registres et quels avantages en tires tu au niveau de la composition ?

J’ai de mémoire toujours été attiré par les musiques polyphoniques de manière générale, qu’elles soient issues des musiques écrites ou orales, mais c’est vrai que j’ai pas mal bloqué ces derniers temps sur la musique médiévale… Tout est parti je crois de ma fascination pour le canon (tu sais Frère Jacques ?), et bien à force d’en écrire (et d’en boire) j’ai eu envie de savoir à quel moment a été écrit le premier canon, en tout cas le premier dont on a encore la trace, et j’ai fait des découvertes fantastiques dans les 13e et 14e siècles. Notamment avec quelque chose que je pensais être une de mes marques de fabrique justement, qui est un canon assez particulier, et qui en fait existe depuis 600 ans… Se cultiver un peu apprend l’humilité beaucoup (rires)

Question piège, que trouve-t-on dans cet album qui manquait peut-être dans le premier ?

Question piège en effet, car je n’ai aucun recul. Le deuxième album est dans la continuité du premier, mais avec un peu plus de voix, un peu plus de gong et un peu plus de « spirit » si je puis dire

Cet album sort chez Coax & Carton records. On sait que tout n’est pas rose pour les labels indés qui font de la production à petite échelle en ce moment qui font un vrai travail en finesse, proche de l’artisanat. Un mot en tant qu’artiste sur l’importance de ce genre d’acteurs dans le parcours d’un·e artiste ?

Le travail que font ces labels indépendants est essentiel, voire crucial. Ils tentent contre vent et marée de faire découvrir autre chose que ce que propose – martèle je devrais dire – le média dominant, et tout ça avec une économie hyper fragile face à l’industrie du disque. Sans parler du fait que le cd est en voie de disparition, et que pour avoir de la visibilité sur Spotify ou Deezer, il faut investir beaucoup, du coup ces labels se tournent vers Bandcamp, qui est sans doute la plateforme la plus éthique, mais que personne ne connaît. Enfin si, tous les musiciens et les geeks de la planètes connaissent (rires), ce qui doit se résumer à 0,5 % de la population. Du coup pour finir de répondre à ta question, dans mon parcours et celui de plein d’autres, sortir un album sans l’aide précieuse de ces labels, ce serait juste comme envoyer un mail à ses potes pour dire : « ouééé, ya un nouveau cédé qui sort ! »

French artist Gilles Poizat is releasing “Galet Dérivant”, the single from his upcoming album “Champignon flamme” on Carton Records

Scritto da Exhimusic - Percorsi Nella Musica 07/12/2020

French artist Gilles Poizat is releasing “Galet Dérivant”, the single from his upcoming album “Champignon flamme” on Carton Records

French artist Gilles Poizat is releasing today “Galet Dérivant”

together with an exclusive interview via Psychedelic Baby Mag.

The single is taken from his upcoming album “Champignon flamme”

due February 12, 2021 via Carton Records.

STREAM NOW THE SINGLE AND READ THE INTERVIEW:

https://www.psychedelicbabymag.com/2020/12/gilles-poizat-interview-with-exclusive-premiere-of-galet-derivant.html

Gilles Poizat (trumpet & modular synth), is a musician and songwriter born in 1967 in Lyon. After classical trumpet studies and a PhD in ecology, he led a double life between scientific research and musical experiences. Among striking meetings in Arles, Lyon and Conakry, Mazalda triggered his plunge into music. The power of bands makes him move intensely. The solo opens new fields he visits as a novice. He begins to sing, to write, finds again his teenage guitar, discovers elementary electronics, and relearns trumpet every day. Always attracted by new vivid experiences, he draws his own path and delivers atypical albums: Micro-vertige et l’expérience du flottement, Rev Galen (with Catherine Hershey), Horse in the house, Champignon flamme.

Nowadays, he is preparing a new solo set of songs, plays with Spat’Sonore, with Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp and composes music for “La séance” – a choreographic piece by Benjamin Coyle.

ABOUT THE ALBUM

This music of Champignon flamme was originally recorded from fall 2018 to spring 2019 as preliminary research for “La séance“, a choreographic piece by Benjamin Coyle (Cie Kopfkino) which finally focussed on songwriting. Then, this instrumental material, trumpet and electronics, became an autonomous album. It questions the invisible, intimate rituals and personal relationships with our dead.

Each track starts from a peculiar electronic set-up which reacts and uses the sound of the trumpet lively to generate sounds from electronic treatements and analogue synthesis. Sounds emitted by the set-up roll and modulate over time in a more or less random way. Trumpet playing is improvised in this unpredictable and interactive soundscape. Sometimes from the trumpet only remains its imprint. All electronic sounds are played live, no overdubs, except in the last track, Lignes de fuite.

This new album from Gilles Poizat comes after albums of songs in solo (Micro-vertige et l’expérience du flottement, Horse in the house) and duo with Catherine Hershey (Rev Galen), and after a long-term collaboration with Mazalda. Champignon flamme is his first instrumental solo album. He reconnects here with his first instrument, the trumpet, meanwhile augmenting it with a new one, the modular synthetizer.

Champignon flamme will be released on February 12, 2021 via Carton Records.

Gilles Poizat interview with exclusive premiere of ‘Galet dérivant’

December 4, 2020

Gilles Poizat interview with exclusive premiere of ‘Galet dérivant’

We are premiering a track ‘Galet dérivant’ from the upcoming instrumental solo Gilles Poizat album, ‘Champignon Flamme’ (out via Carton Records on February 12, 2021).

“It is a story of drifting pebbles in the bottom of a stream.”

Gilles Poizat is a musician and songwriter born in 1967 in Lyon. After classical trumpet studies and a PhD in ecology, he led a double life between scientific research and musical experiences. Among striking meetings in Arles, Lyon and Conakry, Mazalda triggered his plunge into music. The power of bands makes him move intensely. Thesolo opens new fields he visits as a novice. He begins to sing, to write, finds again his teenage guitar, discovers elementary electronics, and relearns trumpet every day.

Always attracted by new vivid experiences, he draws his own path and delivers atypical albums: ‘Micro-vertige et l’expérience du flottement’, ‘Rev Galen’ (with CatherineHershey), ‘Horse In The House’, ‘Champignon flamme’.

Nowadays, he is preparing a new solo set of songs, plays with Spat’Sonore, with Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp and composes music for ‘La séance’ – a choreographic piece by Benjamin Coyle.

This music of ‘Champignon flamme’ was originally recorded from fall 2018 to spring 2019 as preliminary research for ‘La séance’, a choreographic piece by Benjamin Coyle (Cie Kopfkino) which finally focused on songwriting. Then, this instrumental material, trumpet and electronics, became an autonomous album. It questions the invisible, intimate rituals and personal relationships with our dead.

This new album from Gilles Poizat comes after albums of songs in solo and duo with Catherine Hershey, and after a long-term collaboration with Mazalda. ‘Champignon flamme’ is his first instrumental solo album. He reconnects here with his first instrument, the trumpet, meanwhile augmenting it with a new one, the modular synthetizer. ‘Champignon flamme’ will be released on February 12, 2021 via Carton Records.

“The wish behind the whole album was that the trumpet playing would generate interactive sounds with randomness.”

What’s the story behind making ‘Galet dérivant’ and how will it fit with other tracks on your upcoming album?

Gilles Poizat: It is a story of drifting pebbles in the bottom of a stream. While the water flows continuously (although more or less turbulently), pebbles move very discontinuously, being stuck sometime and then raised and bouncing and bouncing till being stuck again, and jumping again. Pebbles positions influence water flow. And pebbles slowly dissolve in water.

The wish behind the whole album was that the trumpet playing would generate interactive sounds with randomness. In each track, I used a different patch of modular synth that interacts in a different way with the trumpet playing. And sometimes from the trumpet only remains its imprint. In ‘Galet dérivant’, the trumpet part was improvised. Electronic sounds come from 4 delays with randomly varying parameters applied to acoustic, filtered and synthesized sounds from the trumpet. In the last part, the sound of the trumpet is freezed in 2 delays and pitched randomly through time, creating a strangely-tuned organ choral.

What kind of album did you want to record?

Originally, I recorded most of this music while exploring ideas for ‘La séance’, a dance project by choreographer Benjamin Coyle about the care given to the invisible, relationships with our dead, and personal rituals with objects pregnant with memories. We got time to explore different musical directions and we finally focused on songwriting. But then, I thought that this unused instrumental material, with trumpet and electronics, was telling a story by itself. A kind of trip where you don’t understand what you are crossing, but by accepting to feel lost and by opening your mind to the unknown you may create conditions for enchantment to appear.

You’re also very active, playing with different bands?

Yes fortunately! Nowadays I am playing flugelhorn with Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp, a wonderful band from Geneva. With Spat’Sonore, an experimental spatialized brass orchestra, I play a spat’trumpet and sing, I also sing in an experimental choir which is involved in a project by composer Clément Edouard. Le Grand Bal des Cousins is a dance orchestra. ‘La Séance’ is a choreographic trio piece by Kopfkino Company in which I sing, play guitar, trumpet and dance. All these collective adventures are very exciting. I am also working on a new solo live set with songs, trumpet and modular synth.

You mentioned that Mazalda influenced you. In what way?

We created the band in 2001 and played together as our main activity till the end of 2017. It has been a very intense experience, lots of love and fun! We developed a deep musical intimacy and complicity. It opened my mind to many popular music all around the world, while being attentive to my proper musical aspirations. And eventually it lead me to quit the band to experience other musical adventures, by myself and with other people.

“I fantasize various sound devices and various song forms, and experiment ways to approach it.”

You were studying classical trumpet and ecology. Do you think there’s a certain pattern in your music that is influenced by your scientific research?

Yes probably! Quitting science to music was a way for me to engage a more personal research aiming to get free from conventions and to connect with my proper feelings and desires. In my musical research, I fantasize various sound devices and various song forms, and experiment ways to approach it. Although it is often unsuccessful, it is an exploration process and sometimes, I also find some nice things I wasn’t expecting. I was studying relationships between fishes and their habitat using statistics. In this album I use randomness to generate lively interactive soundscapes. Yes this could be linked!

Can you share some further details how your upcoming record was recorded?

For the first time, I did everything by myself, from recording to mixing. I was happy to experience this autonomy. I also got some good mixing and editing advices from friends. I learned a lot.

How are you coping with the current work situation?

Well, political regime in France is more and more violent socially and physically. The lockdown and other restrictions have heavy psychologic and economic consequences on people and organizations that already were in precarious situations. Although most of the concerts have been cancelled, I have got the chance to benefit from ‘intermittence du spectacle’ so I still receive unemployment subsidies for one year. We still manage to rehearse and record, so we will have many new proposals for live concerts and shows if one day it is allowed again. 

Klemen Breznikar

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Questo trio francese si esprime con un’attitudine vintage, radicata negli anni ’80. Stilisticamente variegati e difficilmente decifrabili, si muovono liberamente prendendo ispirazioni soprattutto dal sound e dalle ambientazioni electro-funk di una trentina d’anni fa. Molto vicini a gruppi come INXS e Talking Heads il trio si dilunga spesso in lunghe suite strumentali, eccedendo a volte in svisate prog o nel pop più becero di quel triste decennio. Tuttavia, in brani come “Drugs” dove il funky bianco domina e negli strani incroci tra l’hard-blues ed il pop di “When loves love”, il trio si esprime al meglio. Purtroppo, anche nei testi il trio ricorre i miti più perversi degli anni ’80, vale a dire quelli del successo a tutti i costi e quindi di quella figura antropologica che fu il prodotto della ‘Milano da bere/pere”, allora nuova, che erano gli yuppie.

Grosse journée pour Nicolas Cueille, qu’on retrouve tout seul derrière la six-corde, le micro et les machines de Seal Of Quality. Officiant depuis quelques temps également dans Room 204, celui-ci participe donc au split partagé avec Pneu qui sort ce même 16 octobre, toujours sur ce même label nantais (chronique ici). C’est également le rouennais qu’on retrouve ici à la manœuvre, s’adjoignant les services, notamment, d’un compatriote normand échappé desAgamemnonz. Etant donné le background chiptune et surf old school de ces deux protagonistes, ainsi que la propension du label à ne jamais fixer de limites de genre à ses sorties, il n’était guère aisé de deviner la direction qu’allait prendre ce petit LP. Bon en vrai, on pouvait quand même un peu le deviner, puisque le trio guitare/synthé/batterie a déjà sorti une démo l’an passé, dont certains titres figurent d’ailleurs sur ce disque. Il s’est donc attelé ici à en expurger les moins kitchs (je garde cependant l’espoir de pouvoir entendre à nouveau « Schizophrenia » et « Maximum Overdrive »), à réenregistrer le reste avec une prod’ encore plus vintage, et à leur adjoindre cinq nouveaux morceaux dans cette veine délicieusement régressive. The World nous ramène à l’âge d’or du soft rock, et s’écoute sur un transistor à piles en jouant au flipper, un verre de Tang finissant d’infuser sur une table en formica surplombant une banquette en skaï. Et si cette scène empreinte d’un modernisme désuet semble bien française, elle n’en reste pas moins symbolique d’une génération à la remorque d’un american way-of-life à peine plus visionnaire, inondée de hits mi-électriques mi-synthétiques importés d’Outre-Atlantique. The World, loin de courir après quoi que ce soit, digère ici après trente ans toutes ces influences mainstream pour finalement ne pas laisser grand chose dans les chiottes chimiques du mauvais goût. Quitte à rejouer la VHS, autant ne rien zapper. Les rouennais, tout en restant à bonne distance de la médiocrité pour faire preuve d’une efficacité tubesque, passent près d’une décennie d’hymnes radiophoniques, de slows de discothèques et de rock cathodique en revue, et nous transportent au coeur d’une pop culture qui partage son temps entre le cinéma de plein air, le café et sa borne d’arcade, le dancefloor à néons et la télé du salon. Les références sont innombrables et se révèlent par bribes à mesure que les titres défilent, de Ghostbusters pour « When Lovers Love » à INXS pour « Drugs » en passant par Nena pour « Highlights » ou The Bangles pour « The Club ». The World se révèle donc aussi imparable en instrumental que lorsque les voix font entendre leur soif de win, et se montre capable d’embuer les vitres du studio à coups de slows torrides (« Alone On The Top », « The Club »), d’animer l’aérobic matinal (« An Achievement », « City Life ») ou d’annoncer le début de la série familiale lambda (« The Better », « Highlights »). A peine regrettera-t-on quelques lignes de basse slappées qui brillent par leur absence, et une caisse claire qui pourrait faire encore plus « pschhh ». A l’origine d’un disque où chaque morceau se révèle être un hit, The World, sans qu’on sache bien s’il s’agit d’un hommage ou d’un pastiche (mais dans le fond, on s’en fout un peu), va au bout de ses principes pour jouer la carte du kitch ultime assumé, tout en faisant preuve d’une finesse d’écriture qui ne doit certainement rien à la paresse, et de facilités techniques qui se révèlent de façon encore plus flagrante en live. S/T de The World, c’est si tu n’as rien contre : Phil Collins, George Michael, INXS.

Hommes des années 80 jusqu’au bout des mains, ces Rouennais exhument avec leur premier album tout un pan de sous-culture qu’on croyait enseveli sous deux décennies de bon goût : des chansons à la hauteur du générique de sitcoms américaines, des synthés ras la gueule sur la plage arrière, les coudières cousues mains sur les vestes en jean à l’effigie de Van Halen. En toute modestie, ces enfants du tube cathodique ont choisi de s’appeler The World pour chanter un monde aux cristaux liquidés. A l’écoute du disque éponyme de The World, pas facile à repérer lors de vos prochaines requêtes Google, on se dit que l’anniversaire deRetour vers le futur, qui fête aujourd’hui ses 30 ans avec ses acteurs tantôt à cheveux blancs (Christopher Lloyd) tantôt tremblotant (Michael J. Fox) est tout sauf anodin. Evidemment le rock n’a pas la tronche qu’on espérait ; le Hoverboard est encore à l’état de prototype et la seule chose qui plane est encore cette impression de rendez-vous raté avec la modernité, et qu’on devine amer en regardant les photos promos des groupes d’époque. Rock smarties De ce retour vers les tutur’ pour faire joujou avec les traintrains à papa, le trio signé chez Kythibong a conservé les sonorités en éliminant tous les excès (drogues, ego, costumes à épaulettes) en rognant jusqu’à l’os la posture de héros MTV qu’on aura adorés ou haïs, selon qu’on était gamin ou adolescent fan de The Smiths. Restent les chansons, bien moins putassières que celles de Jamaica, qui restent en tête au point que certaines comme Drugsdonnent envie de s’enquiller un gym tonic après avoir fait son footing de golden boy en lisant les mémoires de Bernard Tapie. Réussir sa vie, se taper des gonzesses backstage après s’être taillé un rail de coke de la longueur de la bite à Rocco, aligner des solos à côté desquels ceux de Weather Report passeraient pour du Tchaïkovski ; tel est l’objectif de The World et de leur rock smarties avec double ration de supplément crème ; écœurant pour les fines bouches mais salutaire pour ceux fatigués des postures miséricordieuses de toute une partie de la génération des rockeurs traumatisée par Radiohead. Il y a évidemment sur cet album de quoi retapisser trois fois la chambre d’un ado ; c’est codifié à mort, révisionniste à blinde ; ça n’a pas la prétention d’être déniché par un digger à gants blancs en 2050 mais ‘’The World’’ est exécuté avec une telle sincérité (on peut même déguster un pain laissé au montage à 02’00 sur le bien nommé Highlights) qu’il en devient difficile de ne pas siffler ses mélodies au réveil comme si l’on était le Leonard di Caprio conquérant se vidant la vessie à l’avant d’un Titanic 8-bits. Devenir les rois du monde, les membres de The World ne le seront évidemment jamais, ce qui n’empêche pas d’espérer un futur moins déprimant qu’un nouvel album de Louise Attaque. La preuve : Nike vient tout juste d’annoncer la commercialisation des baskets auto-laçante portées par Marty McFly en 1985. Le futur ? Un éternel retour.